Il Polittico di Sant'Agostino è databile al 1454-1469 ed oggi smembrata e parzialmente dispersa. Si conoscono otto pannelli su almeno dieci, senza contare la probabile presenza di una predella o di altri riquadri accessori, dei quali non si ha alcuna traccia.
Il Polittico di Sant'Agostino è il terzo grande polittico conosciuto di Piero della Francesca, assieme al Polittico della Misericordia (1444-1464 circa) e il Polittico di Sant'Antonio (1460-1470 circa).
Il polittico era destinato alla vecchia chiesa di Sant'Agostino di Sansepolcro (oggi chiesa di Santa Chiara). Il contratto con gli Agostiniani risale al 4 ottobre 1454, con la firma di Angelo di Giovanni di Simone d'Angelo. L'ultimo pagamento è datato 14 novembre 1469.
Il dipinto, spostato probabilmente col trasferimento degli Agostiniani, dovette finire in una posizione secondaria, per essere poi smembrato, forse già nel Cinquecento. Nella prima metà del XIX secolo le principali tavole del polittico dovevano essere a Milano, come dimostrano sul retro la presenza di timbri in ceralacca che autorizzavano l'esportazione dalla Lombardia austriaca, oltre ad alcuni sigilli di collezionisti milanesi.

Verso la fine del XIX secolo gli scomparti andarono sul mercato antiquario in lotti separati, che ne decretarono la dispersione in collezioni soprattutto private, poi cedute a musei pubblici o diventate esse stesse istituzioni pubbliche.

Il polittico aveva una forma a scomparti come il Polittico della Misericordia, ma lo sfondo evitava l'arcaico oro, in favore di una balaustra marmorea continua e, nella parte superiore, un cielo azzurro come nell'affresco aretino della Maria Maddalena.

Il pannello centrale, disperso, era una Madonna in trono col Bambino, della quale si scorgono le estremità laterali di un gradino del trono e forse una sottile striscia del mantello azzurro nei pannelli attigui. Ai lati si trovavano quattro pannelli di santi disposti simmetricamente

Il pannello Sant'Agostino è uno dei più ricchi del polittico, con il santo-vescovo abbigliato da una pianeta e una mitria decorate da figure di santi e scene della vita di Gesù, create con straordinaria precisione. La mitria è decorata da un Redentore ed alcuni santi a mezza figura; il mantello ha due coppie di santi nei riquadri vicino al collo (si riconoscono San Giovanni Evangelista, San Giuliano e San Giovanni Battista).
La decorazione delle vesti di alcuni santi-vescovi con scenette religiose è documentato anche in altre opere d'arte (come il Polittico Quaratesi di Gentile da Fabriano, o il San Ludovico di Piero stesso), ma probabilmente prendeva spunto da esempi tessili reali di grande pregio. Sotto il prezioso mantello il santo indossa la veste nera agostiniana.

Straordinaria è la resa materica dei vari dettagli, derivata dalla conoscenza dell'arte fiamminga: dalla pesante stoffa damascata della pianeta, alla trasparenza vitrea del bastone episcopale in cristallo di rocca, dalla seta dei guanti, al brillare dei gioielli. Il volto del santo è ritratto con notevole individualità, che fa presupporre uno studio dal vero di un modello: il volto mostra i segni dell'età, ma è fermo e con uno sguardo inteso; la barba e i capelli irsuti sono trattati con estrema cura, con variazioni di tono che restituiscono un lustro quasi argenteo.

L’affresco di San Giuliano è l'unico frammento rimasto dell'affresco di Piero della chiesa di S. Agostino in Borgo Sansepolcro. L’affresco rappresenta un giovane santo identificato dal Salmi con San Giuliano Ospitaliere. Purtroppo ci è pervenuto solo un frammento raffigurante la bellissima testa, dalla fluente chioma dorata e parte del busto con le caratteristiche pieghe del mantello rese morbide e voluminose dal sapiente uso della luce. L’opera, scoperta nel 1954 nella parete destra della chiesa di Santa Chiara, è da sempre ritenuta un’opera indiscussa di Piero della Francesca. Il Santo non si rivolge verso lo spettatore ma si gira leggermente verso destra e sembra assorto mentre guarda un punto non precisato fuori dallo spazio pittorico. Da un punto di vista stilistico San Giuliano è molto vicino al profeta (forse Geremia) posto a destra della finestra absidale della chiesa aretina di San Francesco: le due figure sembrano essere state eseguite specularmente con lo stesso cartone.

All'incirca nello stesso periodo in cui Piero lavorava alle scene finali del ciclo degli affreschi nella chiesa di S. Francesco in Arezzo, ricevette un'altra importante commissione: l'affresco di Maria Maddalena nella Cattedrale di Arezzo. Questa monumentale figura è creata interamente con larghe porzioni di luminoso colore similmente alle pitture veneziane degli inizi del XVI secolo. Con il nuovo uso del colore, Piero mostra la maturità del suo lavoro: la brillante riflessione della luce sulla piccola bottiglia, i capelli che sono dipinti uno ad uno lungo le spalle. L'affresco è situato nella Cattedrale di Arezzo vicino alla porta della sacrestia.

L’affresco San Ludovico di Tolosa faceva parte di un affresco staccato dalla parete dell’antico Palazzo Pretorio di Sansepolcro. Il santo ha in testa la mitria bianca papale, nella mano destra stringe il pastorale, nella sinistra un libro. La figura è volta leggermente a sinistra, con lo sguardo lontano. L’ovale geometrico del volto, i volumi plastici, i colori stesi con accurati chiaroscuri sono elementi propri della pittura di Piero della Francesca.

La figura con San Ludovico di Tolosa, conservata solo in parte, fu staccato nella seconda metà dell’Ottocento e successivamente collocato in questa sala del Museo Civico di Sansepolcro. Il Santo indossa l’abito francescano con sopra un piviale vescovile, ha in testa una mitra bianca con fregi dorati, impugna con la destra un pastorale e regge con la sinistra un libro. Un’iscrizione latina, perduta al momento dello stacco dell’affresco, informava che l’immagine era stata commissionata nel 1460 da Ludovico Acciaioli, governatore fiorentino a Sansepolcro. Il dipinto rivestiva così una valenza religiosa e civile in quanto intendeva omaggiare la figura di Ludovico Acciaioli che era riuscito a far ripristinare per Sansepolcro la carica di gonfaloniere di giustizia.
L’opera a causa delle sue cattive condizioni conservative ha sollevato dubbi sulla sua paternità pierfrancescana. L’ultimo restauro del 1998 ha però reso possibile un nuovo giudizio sull’affresco e, considerandone attentamente le peculiarità coloristiche e volumetriche, è risultato essere una creazione autografa di Piero della Francesca. Questa considerazione è avvalorata dal confronto stilistico con il San Ludovico della cappella Maggiore di San Francesco ad Arezzo; le due immagini hanno all’incirca le stesse dimensioni e si diversificano solo per alcuni dettagli del piviale e della mitra.

I Capolavori dell'Arte in Toscana | Piero della Francesca | San Ludovico di Tolosa, 1460

L'opera, destinata al convento di Sant'Antonio di Perugia venne cominciata poco dopo il rientro da Roma, verso il 1460. Come il Polittico della Misericordia si tratta di un'opera di impostazione arcaica, sicuramente su richiesta dei committenti, con le figure principali dipinte su un prezioso fondo d'oro bulinato, con un motivo che imita le stoffe preziose, forse ispirato a modelli iberici che l'artista poteva aver visto durante il soggiorno romano. Decisamente moderno è invece il riquadro superiore dell'Annunciazione.

ra i molti lavori che, secondo Vasari, Piero dipinse a Perugia, lo storico descrive con grande ammirazione il polittico commissionato dalle suore del convento di Sant'Antonio da Padova. Questo complesso dipinto, oggi alla Pinacoteca Nazionale di Perugia, fu iniziato velocemente dopo il ritorno di Piero da Roma, ma non fu completato per diversi anni.
La parte centrale della composizione, La Madonna col Bambino e i santi Antonio, Giovanni Battista, Francesco ed Elisabetta, rivela nel suo sfondo damascato la conoscenza dell'artista degli orientamenti dei pittori spagnoli contemporanei, che Piero potrebbe avere avuto modo di conoscere a Roma. Il pannello si può così datare attorno al 1460. Il polittico è costituito inoltre da tre pannelli nella predella che mostrano Sant'Antonio da Padova che resuscita un bambino, le stigmate di San Francesco e Santa Elisabetta che salva un ragazzo caduto in un pozzo, e anche da due medaglioni posti tra il pannello principale e la predella. La qualità di questa predella è straordinaria: i valori spaziali e di luce, caratteristici di Piero, sono tutti presenti, su piccola scala, enfatizzando i bianchi muri degli interni, gli sprazzi di luce e le ombre profonde della scena notturna all'esterno. Queste scene, dove i corpi e anche le ombre acquistano completa tridimensionalità, divennero un esempio di predella che fu largamente seguito dagli artisti italiani della seconda metà del XV secolo, dal giovane Perugino a Bartolomeo della Gatta e, via Antonello da Messina, fino al napoletano Maestro di San Severino e Sossio. Pochi anni più tardi Piero completò il polittico: sopra le decorate e fondamentalmente gotiche cornici egli dipinse la sua straordinaria Annunciazione. La mancanza di unità compositiva con la parte centrale del polittico ha indotto alcuni studiosi a ipotizzare che Piero abbia semplicemente aggiunto questa Annunciazione molto più tardi. In realtà l'intero polittico possiede una unità strutturale; Piero semplicemente ha tagliato la parte superiore, che originariamente doveva essere rettangolare, trasformandola in una sorta di cornice a cuspide. Ancora una volta Piero riesce a superare i limiti imposti dal committente con gusto artistico tradizionale, dandoci uno dei più perfetti esempi dell'uso della prospettiva. Grazie anche all'uso dei colori ad olio, Piero della Francesca raggiunge uno straordinario dettaglio nella serie di capitelli che corrono verso il punto di fuga. Ciascun architrave, così come ciascuna colonna, proietta una sottile striscia di ombra nello splendido chiostro ad archi, che sembra superare ogni ispirazione derivata dall'architettura dell'Alberti.

I Capolavori dell'Arte in Toscana | Piero della Francesca | Polittico di Sant'Antonio, 1460-1470

Molto famosi sono i Ritratti dei duchi d'Urbino di Piero della Francesca del 1465 circa, esemplare via di mezzo fra il realismo (soprattutto dei dettagli, come i gioielli, le acconciature, le rughe della pelle) e l'idealizzazione delle effigi dei duchi, con una grande attenzione anche ai paesaggi e alla prospettiva. L'uomo viene esaltato nella sua dignità e diventa soggetto pittorico. Sul retro delle due piccole tavole i duchi sono raffigurati ciascuno sul cocchio di rappresentanza. In questa coppia di ritratti vengono rappresentati il duca di Urbino, Federico da Montefeltro, e sua moglie, Battista Sforza. Sono due ritratti «all’italiana», secondo quella moda, tipicamente quattrocentesca, inaugurata dal Pisanello.
Una moda che si opponeva a quella dei fiamminghi che eseguivano i ritratti mettendo il volto a tre quarti. Questi ritratti sono un tipico esempio di arte rinascimentale. La loro immagine è realistica per la verosimiglianza dei dati fisionomici, ma molto idealizzata nella posa fissa e nello sguardo non rivolto a qualcosa in particolare. Sono la rappresentazione aulica e cerimoniale di due personaggi che vogliono rappresentare se stessi secondo canoni classici, ossia senza tempo. Le due figure si stagliano infatti su uno sfondo paesaggistico che dà ai ritratti una sensazione di incredibile profondità. Anche qui vi è la ricerca di spazialità, intesa non tanto come costruzione di prospettive geometriche, quanto di capacità di guardare in lontananza. Anche perché, in fondo, «prospettiva» significava soprattutto «guardare lontano». In questo caso la lontananza è creata prestando attenzione ai giusti valori atmosferici del cielo e dell’orizzonte, che prendono colorazioni che nel loro schiarirsi ci rendono il senso della lontananza.

Capolavori dell'Arte in Toscana | Piero della Francesca | Doppio ritratto dei Duchi di Urbino, 1465-1472

La Pala di Brera (1472-74) di Piero della Francesca è un dipinto votivo già collocato sull'altare maggiore della Chiesa di San Bernardino ad Urbino. Il significato e i riferimenti a vicende della vita del donatore Federico II da Montefeltro non sono chiari, tuttavia nei sei santi intorno la Madonna gli studiosi hanno riconosciuto Giovanni Battista (a sinistra), Francesco(destra), Pietro martire e Andrea (destra). La Madonna tiene in braccio il Bambino e molto probabilmente è un'allusione alla moglie, morta per partorire (per questo il bambino). Dal soffitto cade un uovo, probabilmente di struzzo, che ci mostra come nulla sia tanto piccolo da non poter rientrare in una proporzione universale e ha valore apotropaico, ovvero allontana i flussi maligni come anche la collana di coralli al collo del Bambino. La luce è raccolta nel centro e trasmessa ovunque. I santi sono in semicerchio e la parete liscia separa le figure dallo spazio chiuso in penombra. Nel dipinto c'è un senso di maternità di casa. Ci sono riferimenti all'arte fiamminga, come il riflesso della corazza. Per finire poi la conchiglia, simbolo dell'amore divino.

I Capolavori dell'Arte in Toscana | Piero della Francesca | Pala di Brera, 1469-1474

La flagellazione di Urbino è stata realizzata tra il 1444 e il 1469, cioè fra l’interruzione dei dipinti di Arezzo. La scena si svolge all’interno di un’architettura classica e rinascimentale, con la scacchiera del pavimento e i cassettoni del soffitto che contribuiscono a dare l’impressione della profondità. Infatti, la tavoletta nonostante le su dimensioni ridotte, mostra grandi spazi grazie all’applicazione magistrale della prospettiva. La luce proviene da due punti differenti, da sinistra e da destra, e illumina anche il riquadro del soffitto sotto cui è collocato il Cristo. La forza straordinaria dell'arte di Piero sta propriamente nell'avere connaturato il colore, che in lui è immediatamente luce, con la forma, fino a fargli assumere valore plastico. Tutta la scena è bloccata e immobile e tale impressione è accentuata dall’uso di una luce chiara e diffusa che deriva dall’angelico ma non ha più alcun valore religioso. La composizione è molto equilibrata: all’ambiente chiuso di sinistra corrisponde a destra un ambiente aperto; agli uomini attorno a Cristo corrispondono quelli in primo piano che con molta probabilità sono il cardinale Bessarione, Buonconte da Montefeltro e Giovanni Bacci, caratterizzati da una gestualità “congelata”in una specie di vitalità sospesa. Lavorando a Urbino e Ferrara, Piero della Francesca diffonde i risultati della sua ricerca e allo stesso tempo entra in contatto con gli artisti fiamminghi attivi in quelle corti e da essi apprende le loro tecniche. [11]

Questo quadro, uno dei più famosi, venne realizzato da Piero durante la sua prima visita ad Urbino. Contiene dei sottili riferimenti alla situazione del tempo, difficile da comprendere oggi. Secondo la teoria più frequente, il quadro fu commissionato come tentativo per favorire la riconciliazione tra le due chiese Cristiane, di oriente ed occidente, in vista dell'imminente attacco Turco a Costantinopoli. Sia la presenza del personaggio al centro, vestito con abiti greci, che l'iscrizione nel frontale (convenerunt in unum), rafforzerebbe questa interpretazione. Dal punto di vista della composizione e prospettiva, la pittura è realizzata molto rigorosamente. La composizione sembra divisa in due scene separate dalla colonna del tempio in cui avviene la flagellazione del Cristo. Sulla destra ci sono tre persone poste a semicerchio, la cui identità non è certa. Probabilmente erano personaggi noti in quel tempo e sono stati dipinti nel loro reale aspetto.

L'importanza della struttura di questa pittura, con l'elegante tempio classico, potrebbe suggerire che Piero era in contatto con scrittori teoretici del tempo. Chi guarda la pittura si trova esattamente nel centro e può rivolgere lo sguardo ad un punto prospettico. La pittura è un massimo esempio della prospettiva lineare del Quattrocento. Sebbene Piero lavori in un unico spazio, non ha tralasciato il suo interesse per i particolari come il soffitto del tempio o la scultura di bronzo sulla colonna con i suoi splendidi riflessi di luce. Il magnifico vestito di damasco indossato dal personaggio all'estrema destra, con il contrasto tra il blu e l'oro, rivela le preferenze di Piero per gli abiti di lusso e di elevato stile, che diversi pittori fiorentini avevano eliminato dalle proprie opere.

I Capolavori dell'Arte in Toscana | Piero della Francesca | Flagellazione di Cristo, 1470

L'Ercole è un affresco staccato (151x126 cm) di Piero della Francesca, databile a dopo il 1465 e conservato oggi all'Isabella Stewart Gardner Museum di Boston. Si tratta dell'unico soggetto profano conosciuto nella produzione artistica del maestro di Sansepolcro.
L'affresco dell'Ercole venne trovato nella seconda metà del XIX secolo in una stanza di quella che era stata la casa della famiglia di Piero della Francesca a Sansepolcro, in via delle Aggiunte. Venne staccato, non senza subire pochi danni durante le fasi del distacco e del trasporto, e, approdato nel mercato antiquario, in particolare nelle mani del fiorentino Elia Volpi, venne acquistato da Isabella Stewart Gardner tramite Joseph Lindon Smith nel 1903.

È stata avanzata l'ipotesi, mai confermata, che l'affresco potesse fare parte di un ciclo di personaggi mitologici.

I Capolavori dell'Arte in Toscana | Piero della Francesca | Ercole, 1470

La Madonna di Senigallia è un dipinto in apparenza tradizionale: il soggetto è molto comune e la destinazione privata e famigliare. Eppure questo capolavoro si presta a molte letture diverse e non sono ancora chiare le vicende storiche alle quali si lega. Fioccano le interpretazioni e le ipotesi. C'è chi ritiene che l'opera sia stata commissionata da Giovanna Feltria e Giovanni Della Rovere in occasione del loro matrimonio celebrato nel 1478. Per altri è stato invece un dono del padre Federico da Montefeltro alla figlia Giovanna, ma non un regalo di nozze quanto piuttosto un lascito in punto di morte. Per altri invece il dipinto fu voluto da Federico per rievocare la figura dell'amatissima moglie Battista Sforza dopo la sua scomparsa. Secondo questa tesi, autorevolmente sostenuta da Maria Grazia Ciardi Duprè dal Poggetto, il luogo dove Piero della Francesca ha collocato la Madonna di Senigallia è il Palazzo di Gubbio, dimora prediletta di Battista Sforza, come dimostrato dalle travature lignee della stanza retrostante.
"Sembrano, in Piero, i colori nascere per la prima volta come elementi di un'invenzione del mondo".
Così il grande critico d'arte Roberto Longhi provava a spiegare quel senso della luce che resta uno degli aspetti più affascinanti dell'esperienza artistica di Piero Della Francesca. Già durante il suo soggiorno a Firenze Piero apprende la grande lezione di Domenico Veneziano, vale a dire una pittura luminosa, chiara, tersa che costruisce le figure nella luce. Una luce diffusa, che nasce dall'impasto cromatico del colore. Non sovrapposta, ma armoniosamente integrata al disegno. Fu poi l'incontro con la cultura fiamminga, avvenuta durante la sua attività nelle Corti di Urbino e Ferrara, ad accrescere in lui la tecnica del colore. La pittura fiamminga è nota per aver portato in Italia l'uso della pittura ad olio, offrendo al pittore la possibilità di un controllo più raffinato della luce. Piero costruisce le immagini con il colore e costruisce il colore con la luce. L'ora delle sue meditazioni pittoriche è il mezzogiorno, quando la luce zenitale cancella le ombre della terra.

I Capolavori dell'Arte in Toscana | Piero della Francesca | Madonna di Senigallia, 1470-1485

Piero della Francesca fu un punto di riferimento per molti artisti rinacimentali e propone la Natività come una scena scarna e quasi inquietante, con il Bambino adagiato su di un drappo di velluto blu, mentre un coro di angeli non troppo felici cantano e suonano i liuti.

Tra le varie pitture di Piero troviamo la Natività. Il Bambino è situato per terra, su di un lembo del mantello di Maria, secondo la tradizionale iconografia nordica che si riflette anche nelle sembianze del Bambino. Altri elementi della cultura nordica possono essere trovati in pochi dettagli naturalistici, interpretati da Piero in un alto ed originale stile, come ad esempio la figura di San Giuseppe, seduto con indifferenza su di una sella, o i due animali nello sfondo, dipinti con grande realismo.

Da apprezzare la miniatura del panorama sullo sfondo a destra: perfino le strade e le finestre delle case sono visibili. Perfino la composizione della pittura è completamente innovativa rispetto alle precedenti. L'ampio spazio a terra cosparso di erba ed il tetto della capanna con l'ombra proiettata contro i mattoni rovinati, sembrano indicare un tentativo di Piero di frammentare lo spazio dell'opera, infrangendo la regola a cui aveva sempre tenuto fede. Il punto prospettico è leggermente sollevato e permette di vedere il panorama del fiume con gli alberi, i cespugli e le rocce. Gli aspetti legati ad una nuova composizione prospettica e ad un naturalismo sperimentale, devono essere visti come un segno del miglioramento dell'abilità di Piero ad aggiornare la sua arte alle ultime novità degli artisti fiorentini ed olandesi. Ma è anche chiaro che Piero era intenzionato ad abbandonare i principi di base di questa arte.

I Capolavori dell'Arte in Toscana | Piero della Francesca | Natività, 1470-1485

Maria è seduta su una sedia rinascimentale di tipo pieghevole, posta su di uno zoccolo marmoreo decorato da rosette. In braccio tiene il robusto Bambino, che sporge le mani verso una rosa bianca, simbolo di purezza, che la Vergine tiene nella mano destra.
Attorno a loro sono disposti quattro angeli a semicerchio, solidi come colonne, con vesti diverse ma fisicamente simili, che riprendono in alcuni casi le fisionomie tipiche degli angeli di Piero, presenti con gli stessi tratti somatici ad esempio nella Pala Montefeltro o nella Madonna di Senigallia. Particolare attenzione desta l'angelo sulla destra, vestito di una tunica rossa vaporosamente piegata in vita, che guarda verso lo spettatore e lo invita, con un gesto della mano destra, a concentrarsi sulla scena sacra al centro.
Lo sfondo architettonico è un armonioso loggiato architravato di stampo classico con ghirlande appese, che crea effetti di profondità grazie alla scansione di piani più in ombra man mano che ci si addentra. I rapporti tra figure e architettura sono estremamente equilibrati e seguono una concezione rigorosamente proporzionale.

I Capolavori dell'Arte in Toscana | Piero della Francesca | Madonna col Bambino e quattro angeli, 1475-1482


A questo periodo è attribuita anche la Madonna col Bambino e quattro angeli del museo di Williamstown (Massachusetts).
In questi anni urbinati, stimolato dall'ambiente intellettuale della corte, Piero si dedicò anche alla stesura di alcuni trattati teorici, intesi a ricondurre alla essenziale e misurabile regolarità delle forme geometriche l'infinità varietà degli oggetti naturali. Sono giunti sino a noi il Trattato dell'Abaco, una sorta di manuale di matematica elementare come quelli in uso nelle scuole d'abaco; il Libellus de quinque corporibus regularibus, dedicato a Guidobaldo duca di Urbino e pubblicato da Luca Pacioli dopo la morte dell'artista come opera propria; infine la fatica maggiore, il De prospectiva pingendi, trattato ricco di disegni e inteso come guida pratica alla prospettiva.

Divenuto cieco nei suoi anni estremi, Piero della Francesca si spense a Borgo San Sepolcro il 12 ottobre del 1492.

Dizionario Biografico degli Italiani | Piero della Francesca di R. Lightbown

Giorgio Vasari | Le vite de' più eccellenti architetti, pittori, et scultori italiani, da Cimabue insino a' tempi nostri | Piero della Francesca

Art in Tuscany | Giorgio Vasari's Lives of the Artists | Piero della Francesca

Birgit Laskowski, Piero della Francesca, collana Maestri dell'arte italiana, Gribaudo, Milano 2007. ISBN 978-3-8331-3757-0

Marilyn Aronberg Lavin, Piero della Francesca | La Flagellazione

Attilio Brilli, Borgo San Sepolcro. Viaggio nella città di Piero, Città di Castello, Tibergraph Editrice, 1988.

Piero della Francesca | The Hidden Landscapes of Piero Della Francesca in Le Marche and the Montefeltro area

Luca Madrignani (21-10-2007). Insurrezione e lotta armata a Sansepolcro. Patria Indipendente: pp. 25-27

Il Museo di Piero della Francesca sorge nell’antico Palazzo della Residenza di Sansepolcro, uno dei più rappresentativi di tutta la Toscana. All’interno, su una parete della Sala dei Conservatori, fu affrescata intorno al 1460, più o meno in contemporanea con l’altrettanto famosa Madonna del parto di Monterchi, la celebre Resurrezione, opera, a ragione, definita dallo scrittore inglese Aldous Huxley “la più bella pittura del mondo”. Proprio da questa illustre presenza scaturì, già nel Cinquecento, l’idea di riunire in questa stanza un gruppo di opere d’arte realizzando così la prima collezione artistica cittadina. Questo stesso ambiente oggi, accanto al celebre affresco, conserva le altre opere che Piero eseguì per la sua città natale alla quale rimase sempre legato.
Museo Civico, Via Niccolò Aggiunti, 65, 52037 Sansepolcro Arezzo | www.museocivicosansepolcro.it

Piero della Francesca. De prospectiva pingendi (sec. XV) | Nel trattato, composto presumibilmente tra il 1472 e il 1475, Piero della Francesca propone una serie di problemi di riduzione prospettica, dai più semplici ai più complessi, in modo da introdurre gradatamente alle tecniche della prospettiva con esercizi pratici. Posto il quesito, si passa alla costruzione della prospettiva con disegni geometrici ed illustrazioni.
L’opera è la più nota ed importante tra quelle composte dal grande artista che scrisse anche un Libellus de quinque corporibus regolaribus ed un Trattato d’abaco. Complessivamente si conoscono sette manoscritti quattro-cinquecenteschi che ci tramandano l’opera, sia nella versione in volgare che nella traduzione latina curata da Matteo di Pietro Anghiari e rivista dallo stesso Piero.
Di questi solo tre sono riconosciuti come totalmente o parzialmente autografi ed uno di questi è il codice reggiano, in cui risultano autografi i disegni, due intere pagine e le più di sessanta annotazioni marginali, oltre alle correzioni.
Le oltre cento figure sono tracciate da Piero con un tocco leggero, espertissimo, servendosi di una penna talmente temperata da lasciare sulla carta solo un sottilissimo segno di inchiostro bruno.
Biblioteca Digitale Reggiana la Biblioteca Panizzi | SFOGLIA IL MANOSCRITTO

Manoscritto del De prospectiva pingendi (Biblioteca "Antonio Panizzi", Reggio Emilia)



Bibliografia

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